A Arte do Grande Cineasta Martin Scorsese

 

O retrato do submundo, com uma ponta de glamour, e o encaminhamento de personagens com destinos traçados para a violência, são certamente alguns dos pontos de acesso para o brilhante mundo do cinema criado pelo diretor Martin Scorsese que, a partir de hoje (12/02, terça), ganha uma retrospectiva no CCBB, com exibição de 33 produções, entre as quais 25 longas-metragens de ficção. O veredicto “se crimes compensam” cabe aos espectadores. “Scorsese tem descendência italiana e cresceu em Nova York, no bairro de Little Italy. Ele cresceu vendo de sua janela algumas cenas de violência de membros da máfia. Daí, surge a relação dele com o tema”, observa Marina Pessanha, curadora da mostra.

A violência é um tema recorrente na obra de Scorsese, apesar de não estar presente em todos os filmes dele. Embora o diretor tenha um posicionamento crítico em relação ao comportamento de seus personagens, é inegável que quando a violência aparece, ela é retratada de forma muito realista, sem pudor e chocante.

É à noite que alguns “animais” (como qualifica o psicótico protagonista do filme Taxi driver de Scorsese), atacam. Suas narrativas, mostram da pobreza e o lado B do sonho americano (em Caminhos Perigosos), e ao perambular de tipos desesperados, como o condutor de ambulância encarnado por Nicolas Cage, em Vivendo no Limite (1999).

Para além do grafismo violento, o cinema de Scorsese tem tempero e fundamento na variedade de recursos de quem muito bem entende a gramática da sétima arte, e de quem explorou gêneros contrastantes (fez o musical New York, New York e extraiu drama e sátira de Jerry Lewis, em O Rei da Comédia), sem obsessões por tema único.

A adoção de câmera lenta, a narração em off e o primor das sequências de abertura (“elas têm extrema importância, por prometerem algo”, já disse o mestre) calibram um filme de Scorsese. A isso se junta a capacidade de direção de atores (ao lado do propósito de criar estudos de personagens) — alguns premiados com o Oscar, casos de Ellen Burstyn (Alice Não Mora Mais Aqui), Robert De Niro (Touro Indomável) e de Paul Newman (A Cor do Dinheiro).

Peculiaridades

Entre 12 indicações (em diferentes funções) para a reluzente estátua do Oscar, e apenas uma vitória (pela direção de Os Infiltrados), Scorsese nem sempre acena para o que seja rentável em Hollywood, e luta por injetar teor artístico em projetos nem sempre vendáveis. O Festival de Cannes soube louvar o cinema de Scorsese, com direito a duas vitórias de Palma de Ouro (por Taxi Driver e Depois de Horas).

Com 11 indicações ao Oscar, A Invenção de Hugo Cabret (2011) provou a devoção de Scorsese pelo cinema, num enredo que mescla a construção de um androide aos mundos de lendas vivas da sétima arte como Georges Méliès e o ator Christopher Lee. Com Cabo do Medo (1991), thriller em torno de um abusador sexual (personagem de De Niro), juntou os talentos de Jessica Lange e Juliette Lewis (indicada ao Oscar) aos de Robert Mitchum e Gregory Peck na concepção de uma refilmagem de uma fita clássica de 1962.

Na mostra que começa hoje, no CCBB, com mais de três horas e meia de duração, o documentário Uma Viagem Pessoal Pelo Cinema Americano (exibido gratuitamente) mostra a dimensão do conhecimento de Scorsese sobre o cinema. Na mesma linha, na programação de amanhã, Minha Viagem à Itália, apresenta mais de quatro horas de cinema, dos anos 1940 aos 1960, cobertos pela análise do pequeno gigante do cinema.

Uma vida frenética e dedicada à sétima arte

Conhecido pelo pioneirismo na preservação e na restauração de filmes, Scorsese teve uma infância modesta. Nasceu no Queens e com a condição de saúde frágil. Gostava de Frequentar as sessões de westerns e épicos bíblicos, que enchiam as telas novaiorquinas.

A música também diz muito a respeito de Scorsese, que foi supervisor de montagem de Woodstock (1970), dirigiu o Clipe Bad (1987), de Michael Jackson, e esteve à frente do documentário The Last Waltz — O último concerto de rock, com a The Band (que moveu paixões de Bob Dylan) e se despediu em Winterland (São Francisco), na presença de artistas como Eric Clapton, Ringo Starr e Joni Mitchell.

Na obra dele, há uma predominância de personagens masculinos e, em muitos de seus filmes, os protagonistas realmente são machistas. Entretanto, Scorsese filma de uma forma que ele se desloca destes personagens, ou seja, ele não compactua com o machismo destes personagens. No filme Touro Indomável, por exemplo, ele mostra o pugilista Jake La Motta, com seus defeitos, seu ciúme exagerado e sua violência contra a própria mulher. O filme expõe, de maneira bem crua e real, o machismo.

Precisão

Excepcional, Scorsese capta a degradação, o apogeu, os excessos e a finitude de figuras poderosas (como visto em Os Bons Companheiros, Cassino e O Lobo de Wall Street).

Scorsese não mede esforços para trazer o requinte a versões que mostram a alta sociedade em películas memoráveis (A Época da Inocência (1993), e O Aviador (2004)). Crava deslumbre até mesmo em ambientes inglórios, tais quais, os dos filmes Gangues de Nova York (2002).

No recorte da mostra, entram os dilemas religiosos do ex-estudante de seminário. Dúvidas, inseguranças e sensualidade permeiam sua adaptação para a obra de Nikos Kazantzakis A Última Tentação de Cristo, mostrando Willem Dafoe como um Cristo baratinado pela imersão numa vida cotidiana. A vertente espiritualizada se imprime ainda em filmes como Kundun (1997) e Silêncio (2016).

Livros de Gil DePaula